domingo, 1 de diciembre de 2013

Arte Islámico y el diseño geométrico

Los mocárabes como elementos decorativos constituyen una forma tridimensional que partiendo del arte del ladrillo fue autodefiniéndose, según se iba aplicando en piedra y desarrollándose madera o yeso. Su evolución debió darse como un conjunto de innovaciones simultaneas y probablemente sin conexión entre ellas, al menos hasta el período selyùcida en que generaliza su uso.

Formas como la "serreta" y la "moldura de arquillos" de las construcciones bizantinas y sasánidas podrían haber inspirados a los constructores y alfareros de Samarra, que deseosos de encontrar elementos para la seriación, fabricaron muy pronto, todavía en el siglo IX, piezas cerámicas, curvadas y cóncavas, capaces de componer pequeñas bóvedas y cornisas. Así, los aleros y balcones de los alminares, que se alternaban con aparejos en zig-zag, y que se habían resueltos con molduras de arquillos y otras formas de las artes del aparejo del ladrillo, tomaron definitivamente esta decoración para enfatizar sus modestos vuelos. Otras tantas razones de la industrial artesanal, encontrarían los constructores selyùcidas del siglo XI para que esta minuciosa decoración acudiera a la construcción y ornato de las trompas y pechinas.

Las trompas persas y las pechinas bizantinas habían resuelto bien el problema mecánico de la transición de la planta cuadrada a la forma octogonal o circular de los cimborrios y arranque de las bóvedas. Construidas en ladrillo y levantadas ya para el Islam, en las formas heredadas, vemos las espléndidas pechinas de la Gran mezquita de Damasco. No obstante, los constructores musulmanes encontraron, en estos rincones, una ocasión tentadora para innovar, llevando a dichos elementos la decoración de mocárabes. De esta manera, aleros, trompas y pechinas, se labraron y construyeron, en piedra y en ladrillo, sin pérdida de su función estructural.

Las pechinas que resuelven los rincones del espacio cuadrado en los que se cruzan las calles del Bazar de Alepo, quedando estos espacios a cielo abierto, sin cubrir por bóveda, nos muestran como el espacio cuadrado se transforma en u polígono de dieciséis lados, mediante pechinas de mocárabes que bien podrían haberse resuelto con un conjunto de molduras de arquillos superpuestas. Aquí, en los rincones del citado mercado, la opción decorativa que no debió nunca esperar la construcción de la bóveda, mantiene todo el valor estructural de la pechina.

Resuelta en piedra la construcción de trompas y pechinas, era fácil que esta forma de mocárabes, todavía estructural y decorativa, invadiera, primero las bóvedas de los nichos e iwanes de madrasas y caravansares, donde ya hemos visto que se habían generalizado, y que más tarde, se lanzara sobre el espacio, como superación de una invitación provocadora, a componer y resolver la bóveda en general. Es posible que la solución de la cubrición de los iwanes de Isfahán, que en sus formas y pliegues resuelven vuelos de sombrillas, mediante bóvedas de nervaduras de arcos ojivales y plementería tabicada, se inspiraran en las trazas y cortes más elementales de los mocárabes.

Al pasar a la madera, donde el material permitía mayor carga artesanal, se desarrolló una amplia industrialización basada en la precisión en el corte, ajuste y asociación de piezas elementales y seriables. El conjunto "piña" compuesta por esta serie de piezas elementales permitía vaciarse en yeso, incluso formas en descuelgue o estalastíticas. Esta labor y material vino a reducir su característica mecánica o a potenciar definitivamente su función decorativa y de forro.

Sin entrar en mayores e innecesarias indagaciones, los alminares más antiguos, labrados en piedra, datan del ultimo tercio del siglo X, y entre los edificios más notables de este período que aún lucen espléndidos mocárabes en su alminar, encontramos la Mezquita de Al-Azhar del Cairo y la Mezquita de ibn Tulún en la misma ciudad. Construidos en ladrillo, son dignos de reseñar los que adornan los balcones del alminar de la Mezquita Kalyán en Bujara. En cerámica vidriada son preciosos los que lucen los alminares de la Aljama de Yawhar Sad, en Irán. El Palacio de los Leones de La Alhambra de Granada, constituye por sí sólo un autentico museo de esta decoración en yeso. Materiales tomados de ...

domingo, 17 de noviembre de 2013

mapa conceptual arte Bizantino y otros enlaces


Para trabajar el tema del arte Bizantino,aquí tienes un buen mapa conceptual, pincha sobre la imagen.



Pero también resulta de mucho interés esta otra

jueves, 14 de noviembre de 2013

San Vitale de Ravenna

-->



Iglesia de San Vital, en la ciudad italiana de Rávena. Comenzada a construir en época ostrogoda, es encargada por el obispo Eclesio (522-532) y financiada por un banquero local (argentarius) llamado Juliano, quien gastó en ella la suma de veintiséis mil solidi. A la muerte de Eclesio la construcción continua con el obispo Víctor (538-545). Los mosaicos del presbiterio y del ábside se comenzaron en 546 bajo el obispo Maximiano quien consagra la iglesia en 547, ya en el período de dominación bizantina. El arquitecto pudo ser occidental, pero conocedor de la arquitectura que se estaba creando en la corte de Constantinopla.


domingo, 10 de noviembre de 2013

Comentario de obra de arte



Realiza el Comentario de estas obras de arte, lo iremos corrigiendo en clase a lo largo de la semana.

miércoles, 6 de noviembre de 2013

Trabajo de investigación

Vamos a realizar un trabajo de investigación  a lo largo del curso sobre  el   arte  de Castilla y León , en los diferentes estilos que  vamos a ir estudiando: Románico, medieval, renacimiento, barroco, ...

Es un trabajo que se valora a final del curso,  hasta con un punto extra respecto a la nota final.
En el mismo se tendrá en cuanta:
  • La calidad y variedad de los ejemplos presentados.
  • La originalidad en el tratamiento de los mismos
  • La capacidad aplicación sen el trabajo, de los conocimientos adquiridos a lo largo del curso
  • La presentación puede ir desde formato presentación, vídeo, blog,...
  • El trabajo es individual y supone  originalidad en la selección de los ejemplos, que pueden ir desde lo local a lo general

viernes, 11 de octubre de 2013

Comentario de obras de arte

Empleando tu libro y lo que hemos visto en clase, así como la presentación realiza el comentario  de estas obras de arte.

miércoles, 2 de octubre de 2013

El teatro

El género teatral es de creación griega y el edifico que alberga el espectáculo también es una construcción típicamente griega. Vamos a ver el vídeo, pasar la presentación o usando tu libro posteriormente realizaremos el comentario del teatro que tenemos en la imágen.








Ahora analiza y comenta el teatro de Epidauro tras ver el vídeo y explica que partes componen un teatro

martes, 17 de septiembre de 2013

Bienvenida al curso

¡Bienvenidos al curso 2013-14!

Con esta entrada se os da la bienvenida al nuevo curso que comenzamos, en el cual realizaremos un recorrido  completo por la Hª del Arte de la humanidad
Es un curso  de amplio  contenido en el que se requiere vuestra colaboración y trabajo,  y que intentasremos hacer lo más atractivo posible.

¡Buen curso y a por todas!

domingo, 9 de junio de 2013

Minimal Art

MInimal Art



pieza de ocho unidades modulares acanaladas en forma de V- Judd-1966
Minimal Art
El concepto Minimal Art fue acuñado por Richard Wollheim en 1965 y apareció, por primera vez, en un artículo suyo titulado de este modo que publicó en la revista Art Magazine. En aquella ocasión, el crítico aplicó el término a obras muy diversas, ya que con él hacía referencia tanto a pintu­ras abstractas como a esculturas propiamente minimalistas o a ciertos dy-mades de Duchamp. No es extraño que la obra de Marcel Duchamp pareciera aludida en el contexto minimalista, pues el artista francés había sido pionero en llevar a la práctica lo que podría llamarse «belleza de la in­diferencia».
sin título- Judd-1968-65
Con el transcurso del tiempo, la denominación Minimal Art ha prevalecido sobre toda una serie de conceptos ligados a las manifestaciones de los artistas que trabajaron en su seno -como ABC Art, Literalismo, Arte reduccionista, Estructuras Primarias, Cool Art, The third Stream u Objetos Específicos-. El «objeto específico», según Judd, posee la capacidad de no decir nada, de «ser insignificante», añadiría Luc Lang. No se trata de una re-presentación, sino de una presentación, o mejor aún -como especifica Lang-"la presencia insignificante, aunque concreta, de un volumen ocupando un espacio».
El objetivo de toda escultura minimalista es potenciar al pureza del lenguaje, la pureza del lenguaje, con lo que aparece de ese modo la necesidad de recurrir a lo que Morris llamaría gestalt fuerte o forma de carácter unitario que no puede descomponerse. Los minimalistas se oponían a la escultura articulada y proponían, en cambio, las cualidades de unidad y de indivisibilidad, con lo que era posible, por tanto, el resultado de objeto específico simple.
- Judd-
Es indudable que los minimalistas se interesaron por las líneas, los planos y los volúmenes desde el punto de vista de la percepción. De todos los artistas que, en un momento inicial, a mediados de la década de los sesenta, se decantaron por un lenguaje reduccionista. los más significativos fueron los escultores Carl Andre, Dan Flavio, Donald Judd, Robert Morris y Sol Le UIT, aunque a veces se incluye también a Tony Smith. Sin embargo Smith (1912-1980) pertenecía a la generación anterior y, aunque su obra tuviera aspectos formales relacionables con los minimalistas, él siempre afirmó que su intención estaba muy alejada de la de los representantes del Minimal Art. Según el propio Smith, los minimalistas aspiraban a ciertos resultados determinados de antemano, mientras que su obra se debía a toda una serie de procesos no regidos por objetivos conscientes.
dique- André-1978
equivalente VIII- André-1966
En la obra de Carl Andre (1935) se advierte cómo construye sus esculturas de manera homogénea y continua. En ellas, los elementos son idénticos, y al yuxtaponerlos, elimina por completo la idea de jerarquización y el conjunto permanece abierto. Jamás se advierte el deseo de hacer prevalecer una zona por sobre otra, ni tampoco de señalar un centro o un punto determinado de atención. Las esculturas de Andre, a veces construidas con fragmentos de madera, placas metálicas o ladrillo, pueden montarse de maneras distintas, según la característica del lugar donde e efectúe la instalación.
Otro de lo artistas en cuya obra también se puede apreciar la importancia del elemento seriado es Donald Judd (1928). A partir de sus primeras realizaciones se distingue la coexistencia dialéctica del sistema dualista del que habla Germano Celant cuando analiza sus esculturas. El carácter binario que presentan permite observar cómo Judd otorga un valor idéntico a todos los elementos. Tampoco en su obra se percibe ningún valor jerárquico entre lleno y vacío, abierto y cerrado, delante y detrás, material e inmaterial...
En muchas esculturas,]udd integra el color con un sentido totalmente inxpresivo e impersonal, como un elemento más de esa concepción bi­naria que rige su obra. ya que se decanta siempre por soluciones bicromaticas que acentúan el carácter dual.
dos cubos modulares abiertos-medio salidos- Sol Le Witt-1970
Las composiciones seriales de Sol Le Witt (1928) tiene como punto de arranque las obras efectuadas a fines de los años veinte , por Joseph Albers, en el seno de la Bauhaus. También se ha señalado que en su concepción serial podrían existir conexiones con la música serial dodecafónica de Schömberg. La obra de Le Witt se basa en la organización espacial reticular. A menudo, el artista ha señalado que su preocupación en el momento de efectuar sus estructuras no se ha centrado nunca en en torno a la problemática de las formas primarias, sino que, ante todo, trata de proyectar en ellas la noción de organización en cuanto a tal, resaltando la especificidad de sus ordenaciones.
sin título (para donna)- flavin-1971
El espacio ambiental adquiere un carácter sumamente peculiar en el contexto de la obra de Dan Flavin (1933). Este artista trabajó con tubos fluorescentes de fabricación estándar. También utiliza los colores produ­cidos por la industria, consciente de los efectos de color y luz que se desprenden. Entre todos los escultores minimalistas, la obra de Flavio, a pesar de que el artista construye un espacio no ilusorio por medio de sus instala­ciones, es quizá la que más connotaciones románticas o incluso místicas posee, a pesar de que esta lectura no figure entre los objetivos programáticos del artista.
sin título (vigas en forma de L)- Morris-1965
Robert Morris (1931) ha sido el que más cambios ha experimentado a lo largo de su trayectoria, incluso, en ciertos momentos, se separó radical­mente de la estética minimalista para profundizar en soluciones casi antitéticas. A principios de los años sesenta experimentó en el mundo del teatro, pues, desde 1955, había trabajado junto a Ann Halprin en el taller de teatro y danza. A este mismo período se deben sus primeras obras minimalistas. Sus poliedros simples y sistemas modulares son de conglomerado de madera, de fibra de vidrio o de metal galvanizado y están realizados industrialmente, y en ellos no se percibe la huella del artista.
pintura circular- Mangold-1973
Dentro de la etapa siguiente, la que corresponde a los años finales de los sesenta, aparecen las obras denominadas antiform, entre las que destacan los fieltros, las acumulaciones y los earthworks. En este período Morris trabajó también creando enviroments – como un artista del Land Art-en los que prevalece, ante todo el interés que pueda suscitar la idea originaria que desencadena la obra en sí. Muy distinta ya del Minimalismo reduccionista son las esculturas creada en los último años, en 1as que incorpora materiales heterogéneos, y llega a trabajar con espejo cónca­vos y convexos para crear imágenes que deforman la realidad.
Es interesante apuntar que son los propios artistas lo que llevan a cabo las instalaciones de las esculturas en galerías o museos, con lo que desarrollan un trabajo importante como organizadores de la distribución de sus piezas en un ambiente determinado. Muchas veces, este trabajo de instalación de las obras en un contexto espacial se convierte en una tarea artística, tan importante o incluso más que la desarrollada al concebir las obras. Algunos artistas, como Morris, optan por transformar la estructura global del conjunto de elementos según el espacio del que disponen para su emplazamiento; otros, en cambio, prefieren estructuras fijas, de dimen­siones permanentes.
clásico 3- Ryman
Dentro del Minimal Art también debe integrarse a los pintores Robert Mangold y Robert Ryman, que, sin duda, son los más reduccionistas de todos los mencionados, pues se decantan por un tipo de pintura en la que el único elemento que se tiene en consideración es la bidimensionalidad de la tela. En su caso, ni siquiera el color es un factor determinante, pues prefieren soluciones monocromas, llegando incluso, como en el caso de Ryman, a emplear el blanco liso como único color.
muere- Smith-1962
Muy pocas veces los minimalistas, ya sean pintores o escultores, dan un título determinado a sus realizaciones, pues consideran que es mucho más adecuado no determinar la atención del espectador con su posible mensaje. Tampoco suelen enmarcar las pinturas, para no delimitar así el espacio pictórico, y los escultores no disponen nunca un pedestal para sus piezas. Aunque, de todos modos, y como ya observó Rosalind Krauss, cada vez se hace más difícil calificar como esculturas algunas de las piezas minimalistas.

Tomado del Blog: Una mirada al arte
Fuente:”historia universal del arte”últimas tendencias. Lourdes Cirlot. Editorial Planeta.1994

viernes, 31 de mayo de 2013

Comentario pinturas siglo XX

 Realiza el comentario de las siguientes obras de Arte del siglo XX





domingo, 12 de mayo de 2013

Carácterísticas de las obras de Frank Lloyd Wright

De Algargos nos llega esta entrada sobre Frank Lloyd Wright, realmente interesante , en especial lo relativo a las características de sus construcciones, puedes ver el post completo aquí.

Las características de la obra de Wright. La arquitectura orgánica.
En 1893 decide independizarse y dedicarse especialmente a la arquitectura doméstica, puesto que piensa que "el problema arquitectónico mayor" y "el objeto de arte absoluto" es la vivienda ordinaria de los hombres. En un artículo aparecido en 1908 en la revista Architectural Record (pero que, según él, habría sido escrito ya en 1894), Wright expone los principios que definirán su estilo, que el mismo califica como "arquitectura orgánica":
1.- Simplicidad y eliminación de lo superfluo, lo cual no quiere decir que su obra evolucione hacia el racionalismo funcional. Le desagradaba la simetría estática y prefiere las irregularidades dinámicas de la naturaleza. Juega con los elementos geométricos rectangulares en las composiciones de planos verticales y horizontales de sus viviendas, pero a la vez es capaz de experimentar con los círculos y las espirales como en la teatral fachada y escalinata ascendente del Guggenheim Museum de Nueva York.
Susan Lawrence Dana house, interior, 1902-04. Spingfiled. Illinois
2.- A cada cliente su estilo de vida y su estilo de casa. Gran parte de sus trabajos fueron viviendas unifamiliares para la burguesía industrial e ilustrada de Chicago y de California para la que diseño casas a medida. Sus clientes exigían casas cómodas, prácticas, modernas y, en principio, sin escatimar en el gasto. Cuando llegó la Gran Depresión supo adaptarse también a un tipo de vivienda más modesta.
3.- La naturaleza, la topografía y la arquitectura debían integrarse armónicamente. Deseaba que sus edificios formaran parte de la naturaleza y estudiaba topográficamente el terreno y hacía un estudio geológico y botánico de la zona. Elegía, si podía, emplazamientos cercanos a bosques, formaciones rocosas, desiertos o, incluso sobre cascadas, como en el caso de Fallingwater. Si el emplazamiento carecía del elemento natural, él disponía amplias áreas para que se plantara vegetación tanto dentro como alrededor del edificio.
Frank Lloyd Wright. Isabel Roberts House, 1908. River Forest, Illinois. Casa y árbol comparten espacio (lo que ha obligado a continuas reformas a medida que ha ido creciendo el árbol).
4.- Los materiales deben ser naturales. Utiliza la arcilla (ladrillo), la madera y la piedra en su revestimiento, adecuando el color del edificio y el entorno en el que se integra y armonizando entre todos los materiales empleados. Pero también utilizará los nuevos materiales de la revolución industrial para sus estructuras y, sobre todo, el cemento para crear motivos decorativos inspirados en la naturaleza o en las sociedades antiguas. Son especialmente originales las piezas de hormigón llamadas textile blocks con las que crea texturas y juegos geométricos que recuerdan a las culturas mayas y aztecas.

viernes, 10 de mayo de 2013

Trencadís en la obra de Gaudí



Trencadís

El trencadís es una especie de mosaico realizado con fragmentos cerámicos unidos con argamasa, típico de la arquitectura modernista.
Los arquitectos catalanes del modernismo fueron proclives en el uso de baldosas cerámicas, pero Antoni Gaudí propuso un sistema hasta entonces inédito, el trencadís. Josep Maria Jujol fue el encargado de aplicarlo y quien le dio la personalidad característica.
Utilizaba piezas de rechazo de la fábrica Pujol i Bausis, emplazada en Esplugues de Llobregat, así como fragmentos de platos y tazas de café de loza blanca procedente de otras partes. También utilizó baldosas de cerámica y el mosaico con la técnica del opus tessellatum.
Con el fin de conseguir cromatismo, se decidió por la utilización de cerámica esmaltada que ofrece colores vivos, aprovechando la superficie lisa y pulida junto con la superficies tridimensional de su arquitectura, para causar el máximo efecto de brillo al incidir la luz.
La técnica del trencadís se utilizó por primera vez en el llamador de la entrada de la finca Güell, en la avenida de Pedralbes de Barcelona. En esta finca, la arquitectura sinuosa convirtió en necesidad romper baldosas donde no se podía utilizar enteras.
Al trocear baldosas que ya tenían su propia decoración y realizar una nueva composición sin relación con los dibujos de las piezas enteras, unido a la mezcla de fragmentos de diversas piezas, se consiguen efectos visuales peculiares y distintivos de esta técnica.
En la actualidad Santiago Calatrava es una de las máximas figuras que utilizan esta técnica en sus obras, como la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia, o muchos de sus puentes. (Tomado de Wikipedia)
Para ver más fotos aquí

sábado, 4 de mayo de 2013

miércoles, 13 de marzo de 2013

Comentario de il Gesu

Realiza el Comentario de la planta y la fachada de il Gesu, una de las iglesia con más influencia en el barooco


domingo, 17 de febrero de 2013

sábado, 16 de febrero de 2013

Videos sobre el Renacimiento




Como muy bien nos ha recordado nuestro compañero, han sido preparados por Iniciarte , y nos parecen una herramienta estupenda, gracias

lunes, 4 de febrero de 2013

Sorprendente vídeo sobre el Bosco

El Bosco

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.
En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.
Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico.
En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto influye para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna.
Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, ora normales, ora monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, poblado de figurillas fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal (La Tentaciones de san Antonio, Tríptico del Juicio Final) anuncia el espíritu de Bruegel; incluso los temas religiosos (La coronación de espinas, Ecce Homo) están deformados por un cruel frenesí de gesticulaciones. Sin embargo, el Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento de dibujante, y su irrealismo se emparenta en último término con el espíritu sarcástico de los «fabliaux», ridiculizador de los vicios (Extracción de la piedra de la locura, El carro de heno, El jardín de las delicias). En El vendedor ambulante, seguramente uno de sus últimos trabajos, parece que quiso representar el tema del libre albedrío, así como el de la soledad del hombre.
Se conocen asimismo dibujos del Bosco, en los que se da la misma vivacidad de anotación que muestran sus pinturas y dejan traslucir aún más su agudo sentido de la observación de la naturaleza.
Su fantasía burlesca sedujo a muchos aficionados, sobre todo en España, donde fue objeto de gran aprecio; Felipe de Guevara y el padre Sigüenza escribieron los primeros comentarios críticos que se conocen sobre el Bosco, y Felipe II reunió un crecido número de obras de este pintor, lo cual explica la relativa abundancia actual de pinturas de este maestro en España.
Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel el Viejo, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como James Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí. (Wikipedia)

Related Posts with Thumbnails